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Ce travail vise à faire revivre une approche particulière du jeu de guitare qui, tout en puisant ses racines dans la musique folklorique, la réinterprète et la renouvelle grâce aux nuances techniques de l'instrument et à une vision poétique ancrée dans la tradition ségovienne. Aussi surprenant que cela puisse paraître, presque toutes les pièces de cet album reflètent des éléments stylistiques caractéristiques de l'école de Ségovie : le vibrato tardo-romantique, les lignes mélodiques portées par les cordes graves, les portamenti et la répartition très musicale des accents.
Nombre de ces traits se retrouvent, par exemple, dans les arrangements de chansons napolitaines par Alirio Diaz - ici enregistrés pour la première fois. Il s'agit d'un effort complexe et varié pour enrichir le répertoire populaire napolitain, s'inscrivant dans la continuité de l'engagement de toute une vie de Diaz : intégrer les chansons folkloriques au répertoire de la guitare classique. Cette démarche est en effet au coeur même de l'expression créative de Diaz. En tant qu'arrangeur, il a démontré un goût musical raffiné, une compréhension profonde et riche de l'harmonie, et une capacité instinctive et extraordinaire à exploiter tout le potentiel de la guitare, y compris ses aspects les plus cachés et inexplorés. Ces arrangements pourraient, en réalité, enseigner à la musique « pop » d'aujourd'hui la noble signification du mot « populaire » en musique.
L'importance accordée au répertoire folklorique par un interprète comme Alirio Diaz ne doit cependant pas être confondue avec une moindre maîtrise du répertoire classique. Diaz représente en réalité un cas exceptionnel de musicalité d'une richesse et d'une profondeur remarquables. Son talent s'exprime avec la même polyvalence dans la transcription d'oeuvres de la Renaissance et du Baroque que dans la renaissance vibrante et profondément originale de la musique de sa région natale. De plus, dans ses transcriptions de pièces de la Renaissance et du Baroque, il perpétue une démarche créative héritée non seulement de Segovia, mais aussi de Regino Sainz de la Maza - son professeur à Madrid - qui s'est illustré tant dans la transcription (on peut citer, parmi ses nombreuses transcriptions, de Sanz, Scarlatti et Bach) que dans l'harmonisation de chants folkloriques, à l'instar des Canciones Castellanas.
Tout aussi significative est l'exploration d'une autre production musicale d'inspiration folklorique : l'oeuvre de Maurizio Colonna. Sa musique s'inscrit ici dans la continuité directe de l'univers créatif de Diaz, comme une évolution naturelle de celui-ci. Dans des pièces telles que le « Capriccio espagnol », Colonna non seulement démontre son indéniable virtuosité, mais inaugure également une nouvelle dimension dans sa relation à l'instrument, une direction qu'il développe constamment tout au long de sa production. Son style n'est pas étranger à l'expérimentation harmonique ni à l'exploration des domaines expressifs les plus intimes de la guitare, comme en témoigne le « Notturno n° 1 ». Cette pièce rivalise avec les compositions au trémolo les plus renommées pour guitare, les surpassant peut-être même par l'expansion des positions de la main gauche et l'utilisation de toute la palette sonore de l'instrument grâce à la technique du trémolo. Cette rare polyvalence de Colonna, qui fait également écho à la personnalité aux multiples facettes de son mentor, Alirio Diaz, se manifeste aussi dans son activité d'interprète-compositeur. Un exemple notable en est sa collaboration avec le guitariste australien Frank Gambale, dans laquelle divers genres musicaux interagissent et se fondent avec une efficacité singulière, sans que l'un ou l'autre des musiciens ne compromette jamais son identité stylistique ni ne perde la spécificité de son instrument.
De cela seul, on perçoit que l'album offre un panorama d'artistes ayant abordé la musique folklorique de manière singulière, redécouvrant son potentiel harmonique, timbral et expressif intrinsèque et le traduisant en un langage esthétique profond, raffiné et jamais banal. Ce langage, à son tour, s'inscrit dans la plus noble et sophistiquée tradition de la guitare classique - un instrument qui n'a jamais craint le contact avec la musique « légère », du moins au sens où un respect mutuel a longtemps existé entre les musiciens de formation classique et ceux qui ont grandi sous l'influence d'une autre culture - non moins formidable -, celle qui a fleuri dans les rues d'Espagne, d'Amérique latine et du sud de l'Italie.
Il suffit de rappeler que Segovia, parlant du flamenco, louait souvent sa noblesse (un terme qui revient fréquemment dans ces réflexions), par opposition à la commercialisation du flamenco déjà amorcée. Il convient de noter que le premier compositeur à avoir écrit pour la guitare de Segovia fut Federico Moreno Torroba, auteur de la célèbre Sonatine très admirée par Ravel, et que Moreno Torroba a également composé un magnifique concerto pour guitare flamenco et orchestre, que Sabicas a enregistré sous sa direction.
Tout ceci nous amène à la signification du titre de ce projet d'enregistrement : Nodi quasi di stelle (« Noeuds presque d'étoiles »). Cette expression est tirée de La Ginestra de Giacomo Leopardi - l'une des oeuvres les plus extraordinaires de la culture occidentale, porteuse d'une signification profondément philosophique encore largement inexplorée, bien que perceptible dans l'ensemble de l'oeuvre de Leopardi - et doit être comprise hors de son contexte original, simplement comme un synonyme de constellation. Chaque musicien participant à la structure de l'album est comme une constellation artistique, se traduisant par une trame musicale unique qui embrasse aussi bien le savant que le populaire, mais qui, en fin de compte, unit les différentes traditions en un organisme complet et cohérent, où la musique résonne sans interruption. Cela renforce l'idée que les grands esprits créatifs ne sont pas confinés à des domaines étanches, comme si un grand musicien folklorique pouvait rester insensible à la tradition classique, ou inversement. Au contraire, les plus grands interprètes et compositeurs du siècle dernier se sont souvent intéressés à l'« autre facette » de la création musicale : on peut citer, par exemple, l'admiration d'Horowitz pour Art Tatum et son désir de transposer « Tea for Two » pour piano (une entreprise similaire fut entreprise par Chostakovitch), ou encore Art Tatum lui-même réinterprétant Dvorak. On pourrait multiplier les exemples, en mentionnant la passion de Benedetti Michelangeli pour le jazz (manifeste jusque dans son jeu pianistique, notamment dans son enregistrement inégalé du Concerto en sol majeur de Ravel) et pour Oscar Peterson, ou encore Heifetz interprétant Gershwin (et Gershwin sollicitant l'enseignement de Ravel) ; ou encore la citation de « Funiculì Funiculà in Italia » par Alfredo Casella, pour ne citer que quelques exemples.
Mes compositions visent à s'inscrire dans ce domaine musical façonné par les artistes susmentionnés, prolongeant - plutôt que de s'éloigner - la tradition interprétative initiée par Tarrega et Segovia, et la développant davantage.
Enfin, il convient de mentionner le Tempo di Tarantella de Carlo Cammarota, extrait des Acquarelli napoletani (Aquarelles napolitaines). Cette pièce, une fois encore, pourrait aisément figurer aux côtés des oeuvres de Torroba ou de Turina. Elle réussit le tour de force d'explorer l'innovation harmonique sans tomber dans le mépris, hélas trop fréquent, de la tradition - un mépris souvent exprimé par des langages musicaux qui, par la suite, se sont taris, se révélant bien moins vivants que la tradition qu'ils prétendaient critiquer. Ici aussi, Cammarota - à l'instar des compositeurs, dont Segovia, qui ont participé à la grande modernisation de la guitare classique - appartient au domaine de la musique raffinée, mais non à celui de la musique cérébrale (conceptuelle et souvent infructueuse). Parallèlement, il rend un véritable hommage à la musique folklorique.
En définitive (du moins on l'espère), c'est la musique folklorique qui résonne clairement dans le répertoire choisi pour cet ouvrage, et dans l'identité esthétique même de la guitare - un instrument qui, à travers les siècles, n'a cessé de se réinventer tout en conservant sa nature ambiguë, suspendue entre culture savante et culture populaire. (Mais qu'est-ce que la culture, sinon la révélation d'un sens que nous possédons tous déjà ?)
