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Bachiana Mexicana n° 5 pour cordes, timbales et violon solo (2017)
Cette oeuvre a été composée initialement en 2017 pour cordes, timbales et clarinette solo. Dans cette version, elle a été créée au MusicFest Aberystwyth, à l'Université du Pays de Galles (Royaume-Uni), le 27 juillet 2019. Peu après, Venus Rey Jr. en a créé une version pour violon solo, qui a depuis été interprétée avec succès au Mexique et en Italie.
Le titre « Bachiana Mexicana » reflète la fusion des formes baroques avec des éléments de la musique, de la culture et de l'art mexicains.
Le premier mouvement est une passacaille, une forme baroque populaire développée en France, en Espagne et en Italie. Construite sur une basse ostinato, elle suit une structure A-B-A et se conclut par une coda dramatique.
Le deuxième mouvement, « Saudade », est d'un caractère lyrique. Le mot portugais « saudade » est difficile à traduire précisément, mais il exprime un sentiment de mélancolie, de désir et de nostalgie. Le matériau introduit dans la coda réapparaît dans le mouvement final.
Le troisième mouvement, Sandunguita chueca, est basé sur La Sandunga, une chanson populaire du sud du Mexique. On y retrouve l'atmosphère nostalgique de Saudade. Bien que la Sandunga originale soit une valse, le compositeur utilise des mesures à 5/4 et à 3/4 dans cette réinterprétation, transformant Sandunguita (« petite Sandunga ») en chueca, qui signifie « tordu » en espagnol. Ce mouvement constitue également un portrait musical de la peintre mexicaine Frida Kahlo.
Le mouvement final est une tarentelle, danse entraînante typique de plusieurs régions du sud de l'Italie, dont la Campanie, les Pouilles et la Calabre. Caractérisée par son tempo rapide et sa mesure ternaire, la tarentelle témoigne de la profonde affection du compositeur pour l'Italie - il a étudié la langue italienne et la musique folklorique de manière approfondie. Le mouvement final est un véritable tour de force, exigeant tant pour le soliste que pour l'ensemble.
Quatre pièces mexicaines pour violon seul (2023)
Composées en février 2023, les Quatre pièces mexicaines pour violon seul forment un ensemble virtuose qui explore le point de rencontre entre identité nationale et expression personnelle. Dédiée au violoniste italien Gianfrancesco Federico, l'oeuvre requiert à la fois une maîtrise technique et une profonde compréhension émotionnelle de l'âme musicale complexe du Mexique.
À travers ses quatre mouvements, des échos des idiomes folkloriques mexicains - leurs asymétries rythmiques, leurs inflexions modales et leur lyrisme doux-amer - imprègnent l'écriture. Pourtant, il ne s'agit pas de citations ni d'arrangements : ce sont des transformations, des fragments de mémoire filtrés par un regard contemporain et introspectif.
I. Jolgorio. Jolgorio signifie réjouissance, une célébration débordante de couleurs et d'excès. Dans la culture mexicaine, cependant, joie et tragédie coexistent souvent - une conscience de la mortalité au sein même de la fête. La musique traduit cette tension par des contrastes abrupts, des changements de rythme et de fugaces instants de mélancolie qui percent la surface de l'exubérance.
II. Jiribilla. Le terme jiribilla - typiquement mexicain et difficile à traduire - suggère l'agitation, la ruse ou une étincelle malicieuse. Puisant son inspiration dans le son huasteco de la région de la Huasteca, dans l'est du Mexique, ce mouvement évoque le talent d'improvisation du violon et ses extrêmes émotionnels : une virtuosité éblouissante, des glissandos ludiques et des explosions rythmiques soudaines qui dissimulent des motifs internes complexes.
III. Lejanía. Lente et méditative, Lejanía (distance, éloignement) offre un contraste saisissant. Elle évoque le désir et la résignation, la beauté entrevue de loin. Les lignes mélodiques se déploient comme surgies d'un souvenir - fragiles, suspendues, se dissolvant dans le silence.
IV. Jaripeo. Le mouvement final débute par une brève fugue - symbole d'ordre - avant de se laisser emporter par le chaos d'un implacable moto perpetuo. Le titre fait référence au jaripeo, le rodéo de l'ouest du Mexique, où un cavalier lutte pour dompter un taureau sauvage. Le violon devient ce cavalier : rebelle, inflexible, et pourtant vulnérable aux forces qu'il cherche à maîtriser.
Quatuor de pièces mexicaines pour violon seul se veut à la fois un hommage et une réinvention - un voyage à travers le paysage émotionnel du Mexique, où rythme et mélancolie, vitalité et introspection, sont inextricablement liés.
Quatuor à cordes n° 1 « Juif » (2017)
Créé le 3 décembre 2017 à la bibliothèque publique de McAllen, au Texas, le Quatuor à cordes n° 1 « Juif » est l'une des oeuvres les plus personnelles et les plus saisissantes de Venus Rey Jr. Profondément inspiré par les traditions musicales et spirituelles du peuple juif, ce quatuor est à la fois un hommage et une réflexion - une exploration de la mémoire, de la souffrance et de la résilience, transformées en sons purs.
Admirateur des idiomes yiddish, séfarades et klezmer, Rey ne cite pas directement les mélodies traditionnelles ; il réinvente plutôt leur vocabulaire expressif au sein de son propre langage moderne. Il en résulte une oeuvre d'une remarquable profondeur émotionnelle, où lamentation et danse, rituel et catharsis, coexistent dans un équilibre fragile. En son coeur se trouve un « motif juif » - une cellule mélodique et rythmique distinctive qui se répète tout au long du quatuor, fonctionnant comme un leitmotiv qui unit les quatre mouvements en un seul récit global.
I. Intenso. Le premier mouvement, en mi mineur, établit le noyau émotionnel et structurel de l'oeuvre. Complexe dans son architecture, il alterne entre mesures régulières et irrégulières, créant un sentiment persistant d'instabilité. L'atmosphère demeure sombre et chargée, comme empreinte du poids d'une lamentation ancestrale. À mi-chemin, le motif juif principal émerge - un thème dont les inflexions chromatiques et le rythme asymétrique évoquent le cri expressif de la musique klezmer. Ce motif deviendra le fil conducteur spirituel de toute la composition.
II. Molto vivace. Brutal et dissonant, le deuxième mouvement confronte l'auditeur à une violence sonore. Il évoque la persécution du peuple juif pendant l'Holocauste : les bombardements des villes, la terreur de l'emprisonnement, la rage aveugle du totalitarisme. Des rythmes abrupts et un contrepoint dense dépeignent le chaos et la destruction. L'énergie implacable du mouvement n'offre aucune consolation - c'est un hommage musical à la cruauté humaine et à la persévérance de la foi face à une pression inimaginable.
III. Thème juif. Après la tourmente, le troisième mouvement offre un moment d'introspection et de recueillement. Le thème juif y apparaît sous sa forme la plus lyrique, directement inspirée du phrasé klezmer et, comme le note le compositeur, de la musique d'Un violon sur le toit. Écrit à nouveau en mi mineur, il devient une méditation sur l'identité et la mémoire - une lamentation qui chante plutôt qu'elle ne crie. L'ornementation et le rythme souple de la musique rappellent les gestes expressifs du chantre, faisant le lien entre le sacré et le profane, l'intime et le collectif.
IV. Finale - Vers la lumière. Le finale représente le renouveau et la transcendance. Retrouvant l'ampleur structurelle du premier mouvement, il se déploie en plusieurs sections riches en contrastes harmoniques et en irrégularités rythmiques. Peu à peu, la tension musicale cède la place à la lumière : le motif juif réapparaît, transformé, comme purifié par le voyage à travers les ténèbres. Une vaste coda - de plus de cent mesures - conduit le quatuor vers une conclusion lumineuse, symbolisant la persévérance et la victoire spirituelle d'un peuple qui a enduré et triomphé.
Au-delà de ses connotations programmatiques, le Quatuor à cordes n° 1 « Juif » est aussi une étude profonde de la transformation thématique et de la structure cyclique. Son motif récurrent fonctionne non seulement comme un procédé musical, mais aussi comme une métaphore de la mémoire elle-même - un son qui refuse de s'éteindre, sans cesse remodelé par l'histoire, mais jamais réduit au silence. En ce sens, le quatuor se dresse comme un mémorial spirituel : une oeuvre qui transforme la souffrance en art et affirme, par la musique, la continuité ininterrompue de la dignité humaine.
